Seni Jepang, Dengan Syaratnya Sendiri – Bendera Prancis dan Jepang berkibar bersamaan di Pompidou Centre di sini, menyambut program musim gugur di tempat saudara museum seni kontemporer Paris ini. Pamerannya mencakup pameran tentang arsitektur Jepang dari tahun 1945 hingga saat ini, dan “Japanorama” yang baru saja dibuka, sebuah survei seni kontemporer Jepang sejak tahun 1970, yang dipamerkan hingga 5 Maret.
“Japanorama” mengambil tempat di mana sebuah pameran penting 1986 di Pompidou Centre di Paris, “Seni Avant-Garde Jepang 1910-1970,” berhenti. Pertunjukan itu menampilkan beberapa seniman penting Jepang di luar negeri untuk pertama kalinya tetapi pertunjukan itu menilai karya mereka dipengaruhi oleh, dan bahkan bergantung pada, tradisi seni Barat. Aomi Okabe, yang merupakan bagian dari komite kuratorial pertunjukan 1986 dan saat ini menjadi direktur artistik pameran di Japanese Culture House of Paris, mengatakan bahwa, pada saat itu, “publik Prancis menganggap lukisan Jepang modern dari awal abad ke-20 salinan Eropa. seni, terutama dari Prancis.” link alternatif sbobet
Subjudul “Japanorama” adalah “Visi Baru Seni Sejak 1970”, tahun di mana Jepang mulai menegaskan kembali identitas budayanya sendiri, didorong oleh keyakinan baru yang ditemukan pada Expo ’70 di Osaka. Pertunjukan tersebut adalah “penemuan dari apa yang terlewatkan,” kata kurator, Yuko Hasegawa. Sementara Jepang bergumul dengan masalah modernisasi dan warisan yang rumit, budayanya dipahami di Barat melalui biner klise: Zen pertapa dari taman batu di satu sisi, kitsch ceria Hello Kitty di sisi lain.
Pameran ini mengoreksi karikatur reduktif ini, mengamati bagaimana tarik ulur antara tradisi dan teknologi, individu dan kolektif, telah membentuk budaya dengan cara yang unik. Untuk penonton Eropa, apa yang baru tentang “Visi Baru” ini adalah meneliti seni kontemporer Jepang dengan caranya sendiri.
Ketertarikan Eropa pada seni Jepang berasal dari abad ke-19 van Gogh mengumpulkan cetakan Ukiyo-e, Monet membuat model kolam teratai di Giverny di taman Jepang namun banyak institusi seni saat ini jarang memamerkan seni kontemporer non-Barat. Ada pameran sedikit demi sedikit di Paris selama setahun terakhir, di antaranya pertunjukan di Palais de Tokyo, Le Bal, Fondation Cartier, dan European House of Photography. Tetapi tidak ada pameran di sini di Prancis yang menguji kreativitas Jepang lintas era, media, dan generasi.
Pada tahun 2016, pemerintah Prancis dan Jepang mengumumkan Japonisme , sebuah inisiatif diplomatik untuk menyoroti budaya Jepang melalui pameran dan acara di Prancis pada tahun 2018. Kerja sama ini merupakan berkah campuran, menurut galeri Perancis-Jepang Jean-Kenta Gauthier, yang mewakili keduanya Eropa. dan artis Jepang. “Saya sangat senang tentang ini – pemandangan Jepang layak disajikan secara mendalam dan detail,” katanya. Namun, “ada ketakutan untuk kembali ke orientalisme.” Dia menambahkan, “Tidak ada yang lebih buruk bagi seorang seniman selain menjadi rasa ingin tahu.”
Bagaimana cara mencegah pemerataan konteks budaya sambil mendorong penonton asing untuk merangkul yang tidak dikenal? Ms. Hasegawa menjawab pertanyaan itu dalam “Japanorama.” Setelah sebelumnya mempresentasikan seni kontemporer Jepang di Brazil, Inggris dan Jerman, ia “mengamati dengan cermat 10-15 tahun yang lalu: apa yang diatur, seni kontemporer Jepang seperti apa yang dikumpulkan di institusi publik di Eropa”. Dia melanjutkan: “Saya ingin membawa kesadaran pada konteks di balik kesalahpahaman orang, ke komentar sosial di balik karya.”
Sinopsis Ibu Hasegawa yang luas dan bijaksana mencakup enam tema (disebut “nusantara”) yang menjembatani seni, arsitektur, video, mode dan musik. Dia menghubungkan gerakan dan multimedia di dua lantai, dengan mise-en-scène yang dibuat oleh arsitek Tokyo SANAA. (The Pompidou Center Metz sendiri dirancang oleh arsitek Jepang Shigeru Ban).
Bagian pertama, “Benda Aneh / Pasca-Tubuh Manusia,” menghadapkan pengunjung dengan “Gaun Listrik,” sekelompok lampu warna-warni, yang dibuat pada tahun 1956 oleh Atsuko Tanaka, yang menggambarkan hubungan yang berkembang saat ini antara fisik dan digital. Karya tersebut beresonansi dengan pakaian Comme des Garçons yang dipamerkan, yang menghadirkan pendekatan alternatif terhadap gagasan kecantikan dan citra tubuh Barat.
Transfigurasi terungkap di seluruh bagian ini: Ibu Hasegawa mencatat “gagasan traumatis tentang bom atom dan mutasi yang diaktivasi polusi” dalam dua buah kokon yang “sangat aneh, sangat kritis” di akhir tahun 1960-an oleh Tetsumi Kudo). Teknologi baru menginformasikan karya kolektif Dumb Type tahun 80-an, perlengkapan musik techno-pop Yellow Magic Orchestra dan pemrogram serta artis di belakang Rhizomatiks. Rhizomatiks memberikan visualisasi sistem blockchain Bitcoin yang diatur ulang sesuai dengan transaksi langsung, dalam balet digital yang menunjukkan evolusi kreativitas Jepang yang berwawasan ke depan.
Dalam lingkup Seni Pop, Ibu Hasegawa telah menyoroti karya-karya dengan latar belakang konseptual yang kuat dan kekhususan Jepang. Dia ingin melemahkan cara di mana budaya pop Jepang sering dipahami sebagai ceria atau konyol: Kitsch grafis, pada kenyataannya, secara inheren kritis, katanya. “Ini bahasa sehari-hari tetapi juga sangat canggih,” tambahnya. Karya seniman Takashi Murakami dalam hal ini, mungkin yang paling terkenal, tetapi juga yang paling disalahpahami. Smiley yang dilukis dari “Cosmos” nya tidak hanya cerah dan menyenangkan – komposisinya berutang segalanya pada lukisan Edo abad ke-18. Kanvas “Polyrhythm Red” miliknya yang kurang terkenal, dihiasi dengan patung-patung tentara Tamiya, mencerminkan, Ms. Hasegawa berkata, “Budaya Jepang menjadi kekanak-kanakan,” dan malaise tentang kekerasan dan kerentanan.
Pameran ini juga menjungkirbalikkan kesan naif dari “kawaii”, merek imut khas Jepang, untuk mengungkapkan pernyataan frustrasi sosiopolitik. Kimono tahun 2002 yang menggunakan Bingata, kain pewarna tradisional Okinawa tempat seniman Yuken Teruya dibesarkan, di dekat pangkalan Angkatan Darat Amerika Serikat sangat mencolok. Bunga-bunga dan pepohonan ceria pada pakaian itu, setelah dilihat lebih dekat, terdiri dari pesawat tempur dan parasut.
Pameran diakhiri dengan bagian tentang “Materialitas dan Minimalisme,” yang menyoroti contoh-contoh seperti foto-foto garis cakrawala yang tenang oleh Hiroshi Sugimoto dan karya Ryoji Ikeda yang mirip trancelike berdasarkan data numerik. “Ini adalah pendaratan,” kata Ibu Hasegawa tentang akhir pameran, untuk “melihat sesuatu yang agung.”
“Force” Kohei Nawa yang menakjubkan, sebuah instalasi minyak silikon hitam kental, yang menghujani tanpa membuat percikan, tampak menenangkan, tetapi ini menipu: Subjeknya adalah kejatuhan radioaktif. Seperti banyak karya dalam “Japanorama”, hal itu menunjukkan bahwa sederhana bukan berarti lugas, bahwa hal-hal indah dapat mengandung ketakutan yang meresahkan. Untuk bergulat dengan nuansa ini membutuhkan keterbukaan terhadap perspektif lain. Dalam hal ini, karya paling simbolik dari pertunjukan tersebut adalah oleh seniman Shimabuku. Videonya “Lalu, Saya Memutuskan untuk Memberikan Tur Tokyo ke Gurita dari Akashi,” sangat lucu sekaligus mempengaruhinya. Dia mengumpulkan gurita dari kampung halamannya dan membawanya ke kota metropolitan dengan kereta peluru membawanya ke pasar ikan, memperkenalkannya ke gurita lain di sana dan akhirnya melepaskannya kembali ke laut. Ini adalah narasi yang pas bagi pengunjung pameran, yang, pada akhirnya, kembali ke tempat biasanya, lebih tercerahkan karena telah menjelajahi wilayah asing.